Wo man Ausstellungen in Kunstgalerien in der Region Washington sehen kann

Die meisten Stoffkunstwerke haben ein gewisses Gewicht, aber Textil- oder Papierkreationen nehmen den Raum selten so kraftvoll ein wie die Stücke in „In the Round: Dimensional Fiber Works“ beim McLean Project for the Arts. Ob an der Wand montiert oder in der Luft hängend, die genähten, verkabelten und zusammengeballten Gegenstände dieser Ausstellung mit fünf Künstlern sind überschwänglich und eindringlich.

Die wolkenartigsten Formationen stammen von Linda Colsh und Sookkyung Park. Colshs „Fog and Veil“ ist ein Klumpen zweiseitiger, fächerförmiger Stücke gefärbten Papiers, teilweise bemalt und mit Texten in verschiedenen Sprachen im Siebdruckverfahren bedruckt; Die Sätze und Zahlen erinnern an die Erfahrungen von Migranten, Flüchtlingen und Exilanten. Parks „Blooming“-Assemblagen lassen bunte Luftschlangen inmitten von Nebeln aus Papierkreisen baumeln und erinnern an Drachen, aber auch an Quallen.

Auch Michael Gessners Papier-, Holz- und Drahtkonstruktionen suggerieren biomorphe Formen, die Blätter, Flügel und Insekten nachahmen. Ein Stück fügt ein weiteres Element hinzu: blaues Licht, das von unten leuchtet und satte violette Schatten erzeugt. Kristina Penhoets aufwändiger Wollfaser-Twist „Out of Bounds“ ist rot und lila gefärbt, Farben, die die Ähnlichkeit des Werks mit einem inneren Organ unterstreichen.

Penhoet steuerte auch das am wenigsten konstruierte Stück bei, „Parting Ways“, eine einfache, aber schöne Reihe weißer Wollbüschel. Dieses Vertrauen auf die natürlichen Eigenschaften eines Materials steht in starkem Kontrast zum Stil von YunKyoung Cho, der gesteppte Stoffe verwendet, um Alltagsgegenstände wie einen Computer und eine Starbucks-Tasse darzustellen. Während die meisten dieser Künstler Werke schaffen, die weich und sogar dunstig wirken, verwendet Cho spielerisch Leinen, Seide und Garn, um Kunststoff und Metall zu imitieren.

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Die Bäume, die Ronni Jolles baut, bestehen lediglich aus Papier, sind aber so robust, dass sie manchmal über Rahmen hinauswachsen, die sie nicht ganz halten können. „Trees on the Edge: Artwork in Layered Paper“, ebenfalls beim McLean Project for the Arts, ist eine Reihe von Landschaften, die von den starken Vertikalen der Stämme und den weichen Horizontalen der schwarzen Streifen der Birkenrinde dominiert werden.

Der Vorstadtkünstler aus Maryland überlagert zerrissenes Papier zu 3D-Vignetten und fügt mit Acrylfarbe Farbe hinzu. In den Werken dieser Ausstellung stehen Baumstämme im Vordergrund und Hintergründe wie der rosa gefleckte Himmel von „Winter Light“ liegen buchstäblich dahinter. Der tatsächliche Abstand zwischen Ober- und Unterseite ist gering, deutet aber effektiv auf viel größere Tiefen hin. Jolles‘ komplizierte Kompositionen lenken den Blick sowohl nach innen als auch nach oben.

In the Round: Dimensional Fiber Works und Ronni Jolles: Trees on the Edge: Artwork in Layered Paper bis 18. Februar im McLean Project for the Arts, 1234 Ingleside Ave., McLean.

Wenn die komplex überlappenden Schatten, die Terence Hannums an der Wand montierte Blumenskulpturen werfen, ein wenig bedrohlich wirken, ist das völlig angemessen. Die Ausstellung „Perfume Our Burial“ des Künstlers in der Lost Origins Gallery aus Baltimore zeigt Pflanzen, die Menschen krank, bekifft oder tot machen können. Zu den potenziell mörderischen oder bewusstseinsverändernden Pflanzen zählen Datura, Oleander, Narzisse und Pennyroyal.

Hannums Blüten haben einen verspielten Aspekt, sie sind 3D-gedruckt und bestehen normalerweise aus makellosem weißem Kunststoff, obwohl einer auch Bronzefilamente enthält. Sie werden als Hommage an die Version von „Invasion of the Body Snatchers“ aus dem Jahr 1978 präsentiert, einem Film, in dem sich einschleichende Außerirdische in Form von blühenden Schoten annehmen. Aber die Kunstwerke haben nichts Cartoonisches, weder Skulpturen noch Gemälde.

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Bei den gemalten Werken handelt es sich um kleine Ölbilder, die laut Hannums Aussage vom Stil nordeuropäischer Stillleben inspiriert sind. Es handelt sich meist um monochromatische Nahaufnahmen auf schwarzem Hintergrund, oft auf runden Leinwänden, und sie besitzen eine Strenge, die durchaus an niederländische Meister erinnert. Dennoch sind sie kontrastreich und von geringer Tiefe, als ob die Bilder durch einen fotografischen Prozess verzerrt worden wären. Das Ergebnis ist unheimlich und etwas benommen. Es ist, als würde der bloße Anblick dieser Blumen ausreichen, um eine beunruhigende chemische Reaktion auszulösen.

Terence Hannum: Parfümieren Sie unser Begräbnis bis zum 20. Februar in der Lost Origins Gallery, 3110 Mount Pleasant St. NW.

In ihren strahlenden abstrakten Gemälden verwendet Saya Behnam Pigmente, die aus organischen Substanzen gewonnen werden, und integriert natürliche Materialien wie Blattgold, Hennapulver und Safranfäden. Die im Iran geborene Künstlerin aus Virginia wagt sich mit „The Cycle of Nature and Time“, ihrer Installation im Studio 229 der Torpedo Factory, noch weiter in die Wildnis. Dieses Denkmal der ruhenden Natur besteht hauptsächlich aus getrockneten Pflanzen und Blumen.

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Das Hauptmerkmal des Stücks ist ein hängender Trichter aus vertrockneter Flora, der über einer goldenen Halbkugel hängt, umgeben von lebloserem Blattwerk, das mit Steinen und Asche in einem groben Kreis auf dem Boden angeordnet ist. Girlanden aus getrockneten Pflanzen tropfen an zwei Wänden herab und flankieren die zentrale Anordnung. In der aufgehängten Gruppe sind, wenn auch nicht leicht zu erkennen, Teile zerlegter Uhren sichtbar, die eine mechanische Ablesung der Chronologie darstellen.

Während eine Uhr die Zeit als endlos fortlaufend zählt, ist Behnams grundlegende Sichtweise zyklisch. Ziel der Installation sei es, „den Winter als eine Zeit der Regeneration zu betrachten“, heißt es in ihrer Stellungnahme. In einem Haus oder einer Kunstgalerie dienen Trockenblumen lediglich der Dekoration. In Wäldern und Feldern zersetzen sie sich, um neues Leben hervorzubringen.

Saya Behnam: Der Zyklus von Natur und Zeit bis zum 12. Februar im Studio 229, Torpedo Factory, 105 N. Union St., Alexandria.

Schaun Champion aus Baltimore ist eine erfahrene Werbefotografin, deren elegante Porträts für Publikationen wie die Washington Post und die New York Times ihre Ausstellung in der Silva Gallery x Latela Curatorial vorwegnahmen. Die braunhäutigen Motive von „Monuments and Black Bouquets“ sind keine Berühmtheiten, doch die Bilder von Champion verleihen ihnen Präsenz und Gewicht.

Das gilt insbesondere für die „Monuments“-Sequenz – sechs Studien eines fast nackten Mannes, teilweise in ein kastanienbraunes Gewand gehüllt. Er nimmt epische Posen ein, einige vor einem schwarzen Hintergrund und andere im Freien, als würde er für eine Rolle als öffentliche Skulptur vorsprechen. Ebenso dramatisch ist das einzige Schwarz-Weiß-Foto der Show, auf dem ein Mann, ebenfalls kaum bekleidet, in einem ballettartigen Mittelsprung erstarrt.

Die Serie „Black Bouquets“ verwurzelt Menschen, meist Frauen und meist in Nahaufnahmen, inmitten üppiger Blumen und Blätter. Wie „Denkmäler“ heben die Bilder strahlende Hauttöne hervor. Doch Champion enthält auch die drei Bilder von „Being“, die einen Kopf und Schultern zeigen, die vollständig in blaues Tuch gehüllt sind. Diese Antiporträts sind keine Denkmäler, aber auf ihre heimliche Art ebenso faszinierend.

Schaun Champion: Denkmäler und schwarze Blumensträuße bis zum 12. Februar in der Silva Gallery x Latela Curatorial, 1630 Columbia Rd. NW.

In einer Bildunterschrift in einer früheren Version dieser Geschichte wurde fälschlicherweise das Pronomen „sein“ in Bezug auf den Baltimore-Fotografen Schaun Champion verwendet. Die Geschichte wurde korrigiert.